Théodore de Géricault, Le Radeau de la Méduse (1818-1819), analyse d'oeuvre

Le Radeau de La Méduse est une peinture à l'huile sur toile, réalisée entre 1818 et 1819 par le peintre et lithographe romantique françaisThéodore Géricault (1791-1824). Le titre initial que Géricault avait donné était "Scène d'un naufrage" lors de sa première présentation. Ce tableau, de très grande dimension (491 cm de hauteur et 716 cm de largeur), représente un épisode tragique de l'histoire de la marine française, le thème de cette oeuvre est un fait divers historique.

En effet, le 17 juin 1816, une flotille française quittait l'île d'Aix pour emmener un groupe de fonctionnaires et de colons au Sénégal. Mal dirigé par un capitaine inexpérimenté, la frégate Méduse fit naufrage et quand les 365 passagers voulurent embarquer sur les canots de sauvetage, on s'aperçut que les embarcations n'étaient pas assez nombreuses. C'est alors que l'on construit le fameux radeau où prirent place 149 passagers. 15 d'entre eux survécurent à la faim, à la soif, au feu du soleil et aux mutineries. On parla même de cannibalisme et l'opinion publique fut ébranlée par ce drame. Le peintre a choisi de représenter le moment crucial où Corréard montre à Savigny le brigantin Argus qui se profile à l'horizon et leur portera secours. C'est une représentation figurative qui montre l'impuissance des hommes face aux forces de la nature dans la scène du déluge.

Le style:

Géricault prend ses références chez Michel Ange, Rubens et Caravage pour le réalisme dramatique des corps. Il fait également référence à David, de par la dimension de la toile, l'étude de la nature et les conventions académiques. Pourtant les personnages de cette scène de naufrage, contrairement aux protagonistes davidiens, ignorent l'acte héroïque et le comportement stoïque. De plus, le discours plastique de ce tableau confirme celui de Goya dans le 3 Mai 1808. Géricault passa près d'un an à se documenter avant d'exécuter la version finale de son tableau, comme en témoignent ses nombreuses études préparatoires (presque toutes conservées au Louvre). Il se fit faire le récit détaillé du drame par 2 survivants, l'ingénieur Corréard et le chirurgien Savigny, qui lui servirent également de modèles, ainsi que le jeune Delacroix. Il se fit également construire une maquette de l'embarcation, étudia l'anatomie des cadavres et contempla longuement la mer déchaînée. Il se fascine pour les thèmes macabres, et cette toile est l'une des plus hautes expressions jamais données de la souffrance humaine.

La Composition: 

Elle est fondée sur l'enchevêtrement des corps qui s'étagent en une pyramide humaine. De bas en haut les personnages expriment toutes les attitudes humaines face à l'horreur et la souffrance. Au 1^er plan gisent les morts et un vieil homme désespéré, le dos tourné à l'horizon et autres passagers. Il tient le défunt corps de son fils. Puis viennent ceux qui près de mourir ont trouvé l'énergie de se redresser, de se hisser vers le ciel pour trouver du secours ou de jeter un dernier regard au loin. Le jeu des gestes (----) et des regards créé un mouvement ascendant (----) qui culmine avec la main de l'homme suffisamment valide pour agiter un linge rouge qui attirera l'attention de l'Argus. De cette oeuvre se dégagent essentiellement la souffrance, la mort et l'espoir. Tout exprime l'horreur, de la plus petite vague jusqu'au mort laissé pour compte.

La Dominante:

L'horreur de la scène est encore renforcée par l'utilisation des couleurs : la pâleur des cadavres, en particulier le jeune corps mort flottant à droite, et le gris plombé de la mer déchaînée. On y voit également une dominante de tons chauds, au loin à l'horizon, qui renforce la froideur de la scène. Géricault à accordé une attention toute particulière à la lumière, (cercles blancs) qui souligne les scènes essentielles du tableau : le chiffon blanc secoué, le père tenant son fils. Un double contre-jour attire l'oeil vers un horizon menaçant, et les scènes d'horreur. L'un vient des nuages et l'autre de la voile. C'est d'ailleurs dans le but de faire ressortir ces contre-jours que le peintre a assombri certaines parties du tableau jusqu'à les rendre d'un bleu très foncé, qui ne permet pas de distinguer les détails (l'homme assis derrière la voile). L'oeuvre est celle d'un visionnaire, mais elle obéit aussi à un réalisme intense ; elle est en outre directement liée à la sensibilité contemporaine. Tout à choqué le public d'alors : l'étonnante crudité de la scène, une technique inhabituellement libre, mais le sujet fut surtout immédiatement compris comme une critique à peine déguisée du régime. Géricault dénonce l'incompétence du capitaine et de ses supérieurs.

Lecture du tableau:

La toile de Géricault fait figure de manifeste du romantisme, un courant qui exprime avec force les sentiments humains et dont Delacroix est un représentant avec Gericault pour la France. Si le tableau se base sur des faits réels, il ne représente pourtant pas la réalité dans sa totalité : en effet, l'homme noir présente un dos musclé peu en rapport avec l'état dans lequel il serait après 12 jours de jeûne forcé. Les cadavres ont une pâleur idéalisée et les marques violettes de la décomposition n'apparaissent pas. Par ailleurs, le jour où le radeau fut retrouvé, le temps était au beau et la mer calme. Le peintre a donc transformé quelque peu la réalité pour donner un aspect plus théâtral à son oeuvre, plus dramatique. Ainsi le moment représenté est proche du dénouement, la tragédie touche à sa fin dans un dernier moment de tension.

Cette oeuvre est une prise de position face au retentissement qu'à provoquée la découverte de ce fait divers et face à la volonté de la monarchie restaurée d'étouffer l'affaire alors qu'elle n'a pas été à même de choisir un officier compétent pour conduire le navire. L'opinion publique d'alors est scandalisée. L'auteur pense aussi dénoncer à travers cette oeuvre l'acte abominable d'abandon de son équipage par le capitaine de la Méduse. Géricault a mis son âme et son corps dans l'oeuvre puisqu'il a posé pour être représenté : il est vraissemblablement l'homme mort du premier plan, couché, le bras étendu, face contre le radeau. En 1819, quand le tableau est présenté, il fait scandale à cause de la représentation réaliste et morbide des cadavres. Les amateurs du classicisme disent leur dégoût face à une représentation éloignée de leur idéal du beau. Mais le scandale vient aussi du fait de l'utilisation de la figure de l'homme noir, traité ici à égalité avec le blanc et figurant comme point d'orgue de la partie du tableau consacrée à l'espoir. Ici, le peintre s'engage en faveur de l'égalité entre noirs et blancs.

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